现代艺术的冒险结束了。当代艺术只与他自己当代了。面对过去和未来，它不存在任何超越；唯一的现实就是在现实时间中的运作以及与此现实本身的混淆。

现在没有任何东西把它从技术、宣传、媒体和数字化操作中区分出来。不再有超越和分歧，再也没有另一幅场景：只是反映当代世界的游戏，就好像它所发生的那样。这就在于当代艺术这样的毫无价值：在它和这个世界的方程式之间只有零添加。且不谈创造者和消费者在观察“奇怪”、无法解释的物品的那种无耻同谋。这些光涉及到他们自己以及艺术的概念，真正的阴谋也就在这个艺术自己给自己建造的同谋。艺术跟现实的共谋，而仅仅变成它的一个反映。再也没有微分艺术。只存在现实的微积分。目前，在艺术实现的过程当中它变成一个被滥用的观念。

现代性是从现实到简单元素的解构主义和具体分析的黄金时代，先是印象派，再是抽象派，实验性地对感性、知觉、对象结构和形式解构等各方面开放。抽象的悖论就在于：通过把特定对象从其约束的形象中解放出来，达到对形式的纯粹玩味。这种做法将它与隐匿的结构镣铐在一起——与其相似性相比，对象本身更加严格和激进。这被视为将形象和相似性的面具搁在一旁，来进一步实现对对象真实性的分析。在抽象的旗帜下，我们朝着现实，朝着揭开事物“基本结构”的方向，似是而非地前进着。也就是说，朝着比真实更加真实前进。

相反的，在一般审美化的旗帜下，艺术侵入了整个现实领域。这段历史的结束见证了艺术的平庸融入了现实世界的平庸——杜尚的行为，与对象本身的自动转移，在过程中就位(带有讽刺性)的手势。所有从现实到美学的转移，已经变为广义交换的重要特征之一。

这些也都在艺术和现实世界解放的旗帜下操作。这个“解放”其实相当于互相指出——而这个指出对两种都致命。艺术的转移到现实变成无效，因为艺术吸收了它否定、超越、理想化的所有的事情。变成一个不可能的现实交换。就说它跟自己交换，而永远重复自己。

那么什么东西关于艺术的精神可以让我们放心?艺术也就是艺术世界里、绝望与自我痴迷社区的争论。“创意”行动在对折自己，而变成自己操作的符号——画家的真正主题不再是他所画的东西，而是“他在画”这一事实。起码，这样的话，艺术的概念还是完整的。这个是阴谋的其中一方面。另外一方面是观众为了了解所有的一切按照这些把自己的文化消耗掉。他消耗他什么都不懂以及这些都没有任何必要除非因为文化的需求，这个事实，其实也就是为了属于文化循环。但文化也是全球循环的副作用。

艺术的概念被减弱以及极简化了，引导概念艺术，引导在非画廊里非作品的非展览——艺术的崇拜作为一个非事件。

作为推论，消费者在这些循环来体验他对作品的非享受。按照一个概念、极简的最极端逻辑，艺术应该消失掉。在这个程度，毫无疑问它就会变成它现在的状况：一个虚假的问题;而每一种美学也都变成一种假的解决。但其实也就是因为没什么可说所以必须说很多。艺术民主化的运动矛盾地把艺术这个概念的位置加强了，到达这个普遍赘言顶点为“艺术是艺术”。在这个循环里任何东西就能够找到自己的位置。就像Marshall McLuhan说“我们现在意识到能够按照一个艺术作品安排整个人类环境”。

当代艺术的革命想法是任何物品、任何世界的细节或局部能够引起同样一个引诱感也可以提出一些以前只属于高档形式所谓艺术作品。这个也就是真正民主的基础：不是所有的人对美学享受的接近，但是一个任何物品可以享受15分钟名声的一个世界的穿越美学。所有的物品都属于同一个平台，所有的东西都是天才做出来的。它的推论是，艺术与作品的改变成为一个物品，没有幻想，没有超越，一个被拆掉的物品的纯粹概念行为，而这些物品也把让我们迷茫。再也没有脸、没有目光、没有人表情或身体——没有身体、没有分子的器官，只有分形。跟作品的关系属于传染的、污染的：你被它钩到了然后你被它吸收掉，相当于在一个流动或网络系统一样。转喻序列、连锁反应.再也没有一个真的物品：在现成品的情况下物品已经不在了，而是物品的概念，而我们不能够通过这个去享受艺术，但是通过艺术的概念。我们完全属于一个思想体系。而最后现代艺术和当代艺术的双重诅咒都属于“现成品”：被现实和普遍性沉浸的诅咒，以及被艺术思想概念地吸收掉。“。。。这个毕加索的荒唐雕塑，跟金属花梗和树叶;没有翅膀，没有胜利，只是一个证据、一个痕迹——艺术作品的想法，而不是其他的。跟激励我们生命的其他想法和痕迹一样——不是苹果，但想法，一个由果品学家做的关于苹果原来是什么东西的重建——不是冰淇淋，但想法，一个很好吃的、用淀粉、糖以及其他化学物品做的东西——不是性，而是性的想法——跟爱情、信仰、思想等其他东西都一样??“。

艺术自己没有任何意义。是一个指标什么都没有的符号。但这个‘什么都没有和’空虚的透视在这个已经没有意义和现实的当代世界里变成什么?艺术只能跟总的无价值和忽略连在一起。它再也没有任何特殊定位。它出了世界交流、网络和互动之外再也没有其他目标。发信息和收信息都在同一个循环里：都是发信息的人也都是收信息的人。每个人跟自己互动，只关注表达自己而没时间跟其他人互相听。网络明显地提高那种为自己传播的可能性，所有的人都加自己的虚拟行为而参与整个窒息。所以，在艺术的情况下，最有趣的是侵入现在观众的海绵状脑。因为神秘也就在这里：在收信息道的人的脑袋里，到他们对“艺术作品”服务的神经中心。这个秘密是什么?这个秘密在于“有创造力艺术家”对物品和对自己的苦行与消费者对自己和自己的大脑功能的苦行之间。对最差的物品的宽容明显地提高成一种整个同谋的功能。界面和行为——这个是两个强调方面。行为领域里，所有表达方式出现——综合媒体、摄影、录像、装置、互动屏幕。这个垂和横、美学和商业多样化属于作品的一部分，无法定居的最根本的核心。一个(非)事件像“黑客帝国”完全说明这些：是一个典型全球装置、全球事件：不光是电影(电影从某一个角度是托辞) 而是它的副产品，在全球的不同地方同步投影让几百万观众紧密参与它。我们从一个全球互动角度来看都是这个全球事实的演员。

摄影当被数码技术处理过、被拼出来也碰到同样一个问题。这个一往一个无终点、无规则的方向去发展，是摄影的死亡，摄影被提高到行为的位置上。在这个全球混合，每一个分类失去了它的特点——就像每个人在网络失去了主权——就像现实和图像，艺术和现实因为再也不是两个极端所以失去了它们的力量。

　　科学网(kexue.com)讯 北京时间8月2日消息，美国旧金山艺术家坦尼亚·瓦拉奇(Tanya Vlach)在2005年的一场车祸中失去左眼，作为一个受欢迎的视觉艺术家来说，这是个严重的打击，当她从意志消沉中走出啦，她突发奇想，在眼中安装一个摄像头来代替眼球。

艺术家坦尼亚

　　坦尼亚希望在2011年内完成她的设想，使自己想科幻影片《终结者》中的机器人一样拥有一只"摄像眼"。这个"摄像眼"配有独立的应用软件，可以从外部控制其活动。她希望这只神奇的眼睛可以激活传感器，拍摄静态图像，通过手机等应用软件查看这些照片，同时还具有面部识别功能，可以随着光线强弱改变瞳孔，可以记忆地理坐标等等。就如同在眼睛里邀请了小摄影师入住，它可以留住生活中的点点滴滴。

普通假眼球

摄像头眼球

　　如果这只"摄像眼"实现了诸多作用，它将彻底改变失去眼睛的残疾人患者，这项技术还可应用于军事领域。由于这样一个"愿望清单"并不便宜，坦尼亚目前已经通过科学团体筹集了约10万人民币的资金援助，研发她理想中的"摄像眼"。

　　(科学网-kexue.com 玛格)

中新网上海8月1日电 (记者 应妮)以“文艺批评、学术争鸣和名誉侵权的界限”为主题的研讨会1日在此间举行，来自沪上的报人、法律界及文艺评论家人士齐聚一堂，以此前范曾诉郭庆祥及文汇报侵害名誉权案为由头进行讨论，其间有艺术评论家称范曾的流水线画作应该是商品而不是艺术品。

沪上著名老报人丁法章认为，现在的文艺界、新闻界，不少研讨会基本上都是唱赞歌的，你好、我好、大家都好，形成非常不好的一种风气。而中央高层也就目前文艺批评界的状况作过批示，认为倡导文艺批评，是文化界自我教育、遏制低俗、推陈出新、健康发展的追求机制。近期《人民日报》也明确提出“要提倡积极、健康的文艺评论，多写中肯的逆耳忠言，少写浮夸的褒扬”。在这样的情况下，艺术品收藏家打破成见，敢于撰文，不点名批评了范曾这名画家对文艺创作的不负责任、不讲质量的表现；文汇报在学术专版发表这样一篇争鸣文章，可谓正当其时，“这种文章不是太多，而是太少”。

南京《金陵晚报》副总编丁邦杰表示：文汇报刊载郭庆祥不点名批评范曾流水作业的文章被告上法庭，这件诉讼一度被新闻界传为笑柄，更使人大跌眼镜的是北京昌平法院一审判决被告文汇报对刊载文章没有进行严格审查而败诉，创下了一个打击正当媒体批评的恶例。

他指，范曾是国内外知名的公众人物，这个身份决定了他的名誉权往往和社会的舆论监督权、普通公众的知情权等互为消长。他引用著名法学专家贺卫方的话：“媒体是否构成对被报道对象的侵权，并不完全取决于对象感到其名誉受到了伤害，更应考虑记者及编辑在处理报道的过程中是否故意违反了新闻业者的基本伦理准则和正常工作程序。如果没有违反，或并非故意违反，则不应追究媒体责任。可以构成名誉权纠纷或诽谤罪的，只能是新闻报道，而不可以是评论性的文字。”

上海社会科学院法学所副所长殷啸虎认为，文艺批评权和名誉权之间的界限非常清楚，就是针对作品还是人品。从判决来看，首先法院已经认定一个事实，即郭庆祥所批评的对象是范曾的画、诗、书法以及作画方式，这个属于作品的范畴，也就属于文艺批评权的范围；文中涉及的“才能平平”、“逞能”等词，实际针对的是一种文风，而不是人风。因此该案不应属于名誉侵权。

在文艺评论家毛时安看来，真正的艺术应该是创作者把这件作品当作作品在创作，要有很大的想象、投入和独创。从这个角度来说，范曾的这些流水线作品属于“商品”，更多具有商品属性。与一般商品稍有不同的是写了两个字——“范曾”，但其本质仍是商品。从这个意义上来讲，这篇文章不是文艺批评。

他坦言，齐白石晚年也做了很多商品，商品不是具有很高艺术价值的艺术品；同时中国画也是个很复杂的体系。“我个人觉得，范曾这几年在弘扬民族文化上也做了有益的工作，但与此同时，他的心态也扩张和膨胀起来了，这造成了他今天这个反应。”他认为，范曾的心态表明了当前文化界、艺术界、思想界的基本心态，包括整个民族的基本心态，就是狂躁。这样下去，对整个社会的健康风气的形成，是很不利的。现在其实是缺少真正意义上的文艺批评。完

近日，一起某艺术院校8名高一学生因数门学科分数不达标，被校方要求劝退而相约服药自杀的事件，引起社会各界广泛关注。事件的发生让人倍感震惊，也痛心不已。然而痛定思痛，此事折射出的艺术教育隐忧，更值得所有人深刻反思。

应该说，这起事件中学校、学生、家长都负有一定责任，但学校的责任更大。毕竟学校的职责是教书育人，而不是简单地进行“优胜劣汰”，面对差生又岂能“一退了之”？“试读制”是本起事件中学校劝退学生的“执法”依据。该艺术院校在《学生手册》中规定，高中一年级为“试读年”，学习成绩不合格者就会被直接要求退学。据说这种“试读制”的做法是大多数专业艺术类中学通行的“潜规则”，目的是督促艺术类学生重视文化课学习。然而深思这种“试读制”就会发现，其中不免也掺杂着一些功利性因素，透露出某些艺术教育机构存在的弊端——盲目扩招和“唯升学率”是举。近年来随着艺术类高考的持续“高烧”不退，为谋取经济利益，有些中等艺术学校一味扩招，这其中难免会降格以求，一些文化底子较薄的学生得以“侥幸”入学。但是在“升学率为王”思想的驱动下，一些艺术学校为了提高升学率又不得不淘汰文化课较差的学生，鉴于此，牺牲差生也就成了“理所当然”，殊不知这已严重背离了艺术教育的本质。

艺术教育的本质究竟为何？培养优秀的专业艺术人才无疑是题中要义。在人们的认识中，优秀的专业艺术人才应该既具有出众的艺术专业素质，又具有完备的文化修养。无可质疑，对于学生来讲文化素质固然必不可少，但是艺术教育却有其特殊性，专业能力才是艺术院校学生的安身立命之本，这也决定了艺术类院校与普通高校的教育责任必然有所不同。然而当下艺术类高考中，文化课成绩却被放在了绝对重要的位置，在“唯升学率”的影响下，文化课成了很多有艺术才华的学生进入高等艺术院校的“拦路虎”。早在2004年底，清华大学美术学院教授陈丹青因“不能认同现行人文艺术教育体制”而辞职的事件就震动了中国艺术教育界，也引起了艺术教育应该更注重专业课还是文化课的大讨论。

在笔者看来，从本质上讲艺术教育毕竟不是通才教育，因此从某种意义上来说，对于文化课的过于苛责可能会导致扭曲和偏离艺术教育的功能和原则，这也必然会对期待接受艺术教育的主体产生不良影响。美国艺术教育家罗恩菲德曾说：“在艺术教学中，艺术只是一种达到目标的方法，而不是目标。”而放眼现实生活，越来越多的考生因学校、家长施予的升学压力，不得不选择从艺之路，考取艺术院校被当作某些学生上大学的一个捷径和跳板。这也使得很多具有艺术梦想的孩子因为文化课成绩不如意不得不早早远离艺术，而文化课成绩相对其他考试偏低的录取分数却又让很多本来就无心艺术却想进入大学的孩子进入了这个专业，其专业素养不免大打折扣。这种选择的结果直接导致严重的艺术教育资源浪费，长此以往，必将对高端专业艺术人才的教育和培养产生不利影响。

笔者以为，鉴于艺术教育的特殊性，应该具体问题具体分析，对于艺术类考生给以更多的宽容，让“偏才”的学生也有施展才华的机会。“亡羊补牢，为时未晚。”针对以上事件，希望相关教育部门、学校，采取有效措施，慎重对待，避免类似事件再次发生，莫让所谓的“潜规则”伤害艺术教育的本真，成为艺术教育之殇。而对于学生来说，亦要反思自己的行为，调整好心态，毕竟“退学”不是世界末日，不上艺术类学校也并不意味着从此与艺术“无缘”，要知道，很多艺术大师也并非出自专业院校，他们凭着自己的执著和对艺术的热爱，拥有了自己的一片碧海蓝天。作者：王春梅

 
科幻小说插图或许对未来太空船的设计具有一定的现实参考价值。

 
英国艺术家克里斯-弗斯和其他一些太空画家也都受到《2001:太空漫游》的影响。

　　北京时间7月29日消息，据国外媒体报道，随着美国航天飞机的退役，太空飞行器的家族中又少了一个重要成员，航天设计师们也在开始着手下一代太空船的构思。不过，科幻小说家和插图画家们很早以前就已经为他们设计了理想的未来太空船版本。科幻理论家认为，未来太空船的设计或许真的可能从这些科幻小说插图中获取灵感。

　　多少年来，一代代科幻小说爱好者一直热衷于描绘太空旅行的美好前景。从《星球大战》到《2001:太空漫游》，再到《大胆阿丹》，这些科幻作品都对未来太空船究竟是何模样有所描述，甚至这种外观的描绘显得比第一级火箭推进器的点火还要重要。尽管这些描述性插图仅仅来自科幻小说或影视，但是它们对于未来太空船的设计具有一定的现实参考价值。

　　有人认为，科幻艺术家与实际的太空船设计师之间的界限事实上很模糊。美国著名的太空美术之父切斯利-邦尼斯泰尔不仅仅对科幻小说的创作，甚至对美国的太空计划都具有重要的影响。美国宇航局德裔火箭技术和太空探测设计师韦纳-冯-布劳恩也曾经从著名科幻小说家朱利斯-凡尔纳和赫伯特-乔治-威尔斯那里获得灵感，委托邦尼斯泰尔为他的太空飞行概念介绍性文章创作插图，并将插图随同文章公开发表。布劳恩的技术与邦尼斯泰尔的艺术构想的完美结合让太空科学更容易被外行的读者们理解和接受。当然，在理解和接受这种概念后，作为纳税人的外行读者们就更容易接受政府的太空计划，在大选表决时更倾向地做出自己的决定。

　　科幻小说和幻想艺术家协会每年都会向在科幻和幻想艺术领域产生重要影响的人颁发“切斯利”奖。拉里-朗格是一名德裔画家，他曾经为军队飞行手册创作图解，并被指定负责美国宇航局下一代太空船的外观设计。他和他的创作团队通过将布劳恩的思想进行图解，从而创作了自己的太空站设计版本。拉里-朗格后来成为《2001:太空漫游》中的太空产品设计师和艺术指导。

　　英国艺术家克里斯-弗斯的科幻小说插图艺术作品更是将艺术创作带进了真实的太空旅行领域，他的作品汇总于一本名为《硬件：克里斯-弗斯最后的科幻小说作品》的新书中。在新书的封面上，弗斯引领了一种新型的太空艺术风格，其最显著的特点就是将巨大、艳丽的太空飞船置身于旋涡状的太空背景中。弗斯曾经负责为多部科幻电影进行艺术创作。

　　航天飞机计划的结束意味着太空船工程师和设计师们将面临新的挑战。他们或许能够从这些艺术家这里获得灵感。由于政府资金紧缩，许多太空项目可能要转向私营投资者。一些公司，如波音公司等，将会引诱消费者开始为太空旅行付费。为了在未来太空旅行可能的激烈竞争中立于不败之地，这些公司不得不提早将目标转向太空飞行。科幻理论家加里-威斯特法尔博士认为，“一家有进取心的公司，要想取得成功，就必须提供他们具有独特优势的太空船来吸引政府和私人乘客，这些太空船要像弗斯创作的版本那样别具一格。弗斯的太空船之所以如此华丽，不仅仅在于将其设计成流线型的结构，他还大胆使用了明亮的色调。”

　　一些人或许很奇怪地发现，像拉里-朗格这样的美国宇航局员工，竟然从高深的太空项目转向好莱坞发展，甚至还因为担任《帝国反击战》的艺术指导而获奥斯卡提名。(彬彬)

对于圈内人，当代艺术不言自明，不过圈内人数量很少，即便是学院派画家，说起当代艺术也往往是极端的负面例子。“当代”有不同的解释，又在不断演化和生成，而“艺术”无法定义，可是当圈外人询问“什么是当代艺术”时，你却不能不回答。

当代是当下吗？

当代不等于当下。当下存在的某些艺术形态，比如具有经典作风的学院派艺术、体现民俗的民间美术、具有共性的儿童艺术等等，都不属于当代艺术。它前无古人，具有断代的意义。

当代是本朝吗？

有些学者借用20世纪中国文学史研究的分期，把1840年至1919年称为近代，1919年至1949年称为现代，1949年至今称为当代。当代于是变成了本朝。这种挂靠政治的分期，同强调自身规律与国际视野的“当代艺术”不是一回事。举例来说，由官方组织的全国美展，其中也许不乏当代性质的作品，但由于强调主旋律，在总体上不属于当代艺术。当代艺术是自发的、在野的、各行其是的艺术追求，没有主旋律。

当代艺术是现代和后现代艺术吗？

中国当代艺术在很大程度上是西方现代艺术和后现代艺术的东方版本，但又不乏超越现代与后现代艺术的探索。这些探索是中国当代艺术的希望和存在的理由。

新潮美术、前卫艺术、实验艺术、先锋艺术同当代艺术是一回事吗？

1978-1989年间，特别是1985年之后，中国出现的反传统艺术潮流，被称为新潮美术。新潮美术也被称为前卫艺术。前卫艺术这个术语，至今仍然在使用。它常常是当代艺术的同义词。“实验艺术”是在1989年之后强调艺术语言而出现的奇怪措词。它经不起理论上的分析，然而国内外批评界一直在使用。大约在1995年之后，批评界也采用先锋艺术的说法。进入21世纪之后，批评界更多地用“当代艺术”作为总称。

一些当代艺术形态怎么不像艺术？

当代艺术观不强调艺术与非艺术的界线，它会不断地把非艺术对象纳入艺术的范畴。

书画界有当代艺术吗？

比较少。吴冠中、周韶华、刘国松的某些作品具备当代因素。邱振中的《祖母》将字迹不清的“喃呒阿弥陀佛”草书反复书写，王天德的《水墨菜单》用墨画的宣纸裱糊餐具餐桌，黑鬼用占卜的荒诞方式将历史名人画成54块水墨扑克牌，朱青生的《溪山箫声》在溪水中的一匹长绢上作画，黄岩在皮肤、肉块和骨头上画水墨画，都是当代艺术。此外，由于当代思想包含反当代的观念，这给水墨画脱离时代而又不重复古人的探索留下了一片空间。反当代不是指回归传统或标榜正统，而是指反对当代文化主潮的超前思想。

凭什么当代艺术作品的市场价位那么高？

当代艺术是时代的先锋，最能代表这个时代。有人认为这是西方画廊操纵的结果，见解流于浅薄。中国艺术家不都是好操纵的角色。

当代艺术与伪当代艺术如何区别？

凡是剽窃、摹仿西方现代艺术和后现代艺术的中国“当代艺术”，都属于伪当代。它们同剽窃和摹仿古人的行径没有区别。艺术史不会给它们留下有尊严的位置。

当代艺术的典型标志是什么？

典型标志是新观念、新形态、新载体。三者有其一二，就值得关注。

中国当代艺术如何评价？它会走向何方？

活跃而混乱，平庸多于杰出。中国当代艺术的两大走向：跨越传统文化的普世追求和照顾文脉的本土作风。后一走向在未来一二十年间会占据上风。

水墨素养达到浑然天成之绝妙，是国画家的化境；领悟到禅理能以身作则，是佛家的化境；由我而起无我而终，是艺术品藏家的化境。

“万里长城今犹在，祗今不见筑城人。”郑板桥这两句诗是奉劝人不要为名利所累。人生苦短，百年一瞬，一切都要想开些才好。这话跟艺术品收藏者来说，是否有些风马牛呢？不是，因为有些艺术品收藏者以占有为终极目的，这就容易膨胀其占有欲，终使其走火入魔，进入不化之境。

何谓化境？《兰亭序》中有四个字：“暂得于己”，这就是化境。而心领神会了此四字者，可达化境。换句话说，有了此心态，你收集艺术品就能把握好火候，不强而收之，不夺他人所之好，看重的将不是自己是否占有，而是艺术品本身存在之因，而感受到我中华民族之美，国家艺术之珍。

古往今来，一些艺术品大收藏家和收藏世家，都无偿把自己或家藏的珍贵文物捐献给了国家，要知道，这些艺术藏品价值均是价值连城。这些高智商的学问人，都是特别喜爱艺术藏品，热衷于艺术研究的，他们活着也需要钱。但是，他们却把这些无价之宝都慷慨地献给了自己的国家和民族。

有人怀疑，他们是否怀有什么目的？要知道，这些艺术品大藏家捐献艺术藏品时，他们家境情况都殷实得很，名声也如雷贯耳。这些艺术品大藏家的举措，即已达到无我的化境。眼中所见，心中所思，只有民族和祖国。

艺术品收藏者的光辉和成就，在于他当艺术藏品暂得于己时，能够充分地爱护它、妥善地保管它、认真地品鉴它，以感受民族文化艺术之美。即使此时尚处于“有我”阶段，但这种“有我”应是积极的“有我”，这种“有我”的气数随着自己素养和悟性的提升，终究有一天会明白“我”之所有系全民族所有；“我”所爱之物，是存在于国家民族之中，需代代珍爱延续，代代发扬光大。“有我”那个阶段，只应是肩负起你应尽的社会责任。

要深悟到这样一个真谛，艺术品收藏导向的正确才会减少中华艺术品的流失，才不会使中华文化走向弱势，这也许就是艺术品藏家的化境。

行为艺术

做行为艺术的相西石

相西石，小个子，爱剃光头，身上有蛮劲。看着人有些生。当然人要成熟了，也就没意思了。后来知道他是搞行为艺术的。也就觉得挺统一的。行为艺术挺蛮的，动不动就脱光了。我问相西石：为什么要脱光呢？他说脱光了，符号就出来了，纯粹了，强烈了。要表现的东西也就更加专注和集中了。那么我就开玩笑：哦，脱颖而出。

我不大了解行为艺术，好像是最早尼采说过把自己做成艺术。后来美国的大学生搞校园嬉皮时，脱光了还不够，还要把自己的名字，学校，班级写在屁股上。这种有悖于常人的行为，似乎是对世俗的轻蔑和挑战。世俗的人们都是很没意思的人，是在泡菜坛子里腌过的人，黄瓜不再是黄瓜，白菜不再是白菜，一个味,酸溜溜的，还有股子发霉的味道。他们的最高境界也就是家里有开不败的塑料花。我称他们为：生产线上下来的标准件。就像我小时候有一个可疑的人在他那可疑的日记里说他要做一颗螺丝钉。那么，天上伸下来一个巨大的螺丝刀，把他拧在那里，他就在那里生锈。大多数人都是这样，大多数人都势力的世故的选择成为这样。按说，人在世上混，谁也别笑话谁。每个人都有每个人的活法，谁愿意给头上开个槽就开去。可是大多数人又都笑话和指责行为艺术。行为艺术几乎成了神经病的代名词。那么，再按照他们的说法：唱戏的是疯子，看戏的是傻子。哈哈，看看，人能说人吗？说不好就把自己搭进去了。

有一天，相西石给我说：已经搞了十年的行为艺术了。听完这话，我觉得他在我面前扑朔迷离的。我闹不清是什么让他这样做。他很小就画画了，画传统水墨画，好像还挺有名，被人誉为神童。画的多了，就不满足，大多数人都画傻了，画匠了，成了程式。很难有所突破。他是否想通过做行为艺术来有所突破？平面的绘画不能表现他的问题？我隐隐约约知道他的一个凄惶事。上美院时就谈了个女同学，俩人好，后来不知道什么原因，俩人分手了。是不是从那以后相西石就开始做行为艺术?

相西石，小个子，爱剃光头，身上有蛮劲。看着人有些生。当然人要成熟了，也就没意思了。后来知道他是搞行为艺术的。也就觉得挺统一的。行为艺术挺蛮的，动不动就脱光了。我问相西石：为什么要脱光呢？他说脱光了，符号就出来了，纯粹了，强烈了。要表现...　　我看过一张行为艺术的图片。好像是四川音乐美术学院的学生做的，一群男女，一个挨着一个，一丝不挂，排成@。队伍的最末尾是个女的。然后，如是多米诺骨牌的情景。压倒了前面的人，依次叠压下去，一片狼籍。生活中我知道有些女人破坏性很大，身上有毒，不知道从那来的邪气，动那第一张牌，然后害了周围一大群人。而且她自己还不知道，还一脸的无辜。这是我个人对这个行为艺术作品的解读。我给相西石说了。相西石认识那个做艺术的女的，问她那个作品的意思。那女的说什么意思也没有。看来是我神经过敏，匪夷所思。但这都是我的记忆和经验。我的记忆比较深刻，有太多的案例。我的经验也比较恶毒，每一个经验又似乎是一个坑？成了井底之蛙。只是，很多的女人都不知道她们在做什么。据说，全世界的心理学家分析孩子们的不快活，分析到最后，全是因为母亲。而且社会上的那些痞子的母亲又都是泼妇，怨妇，恶妇，母大虫。

　　一本英国著名生物学家、博物学家查尔斯达尔文所著书籍在澳大利亚悉尼一家图书馆借出122年后“回家”。

　　据报道，这本书是《食虫植物》第一版，1889年由位于悉尼郊区的卡姆登艺术学院借出。卡姆登艺术学院如今是卡姆登政府机构的一部分。

　　本月早些时候，这本书终获归还。卡姆登政府估计，由于逾期不还，借书者应缴罚款大约3.5万澳元(约合3.7万美元)。

　　近50年来，这本书一直由退休兽医罗恩海因保管。他上周把包括这本书在内的一些物品捐赠给悉尼大学。悉尼大学方面注意到书籍自带的借书条，决定将书送还“原主”。

　　海因说，他不确定如何得到这本书，可能由上世纪50年代另一名兽医或悉尼大学教师赠予。“我绞尽脑汁回想如何得到这本书以及到底拥有它多长时间”。

　　卡姆登政府官员琳达坎贝尔说，书籍保存相对完好，包含几幅植物画。这本书可供公众参观，但再也不会外借。

近日发现的卡拉瓦乔作品《圣·奥古斯丁》画像。（资料图片）

　　卡拉瓦乔是一位改变了西方艺术进程的艺术家，他对光和形式的把握是前所未有的。他38岁离开人世，留下了约50多件作品，但现在，有学者声称他们最近又发现了一幅卡拉瓦乔的作品，这件一直都寂寂无闻的作品属于英国的一个私人收藏。

　　这是一件极富表现力的成熟作品，创作时间约是1600年前后，画布上描绘是圣·奥古斯丁。卡拉瓦乔画这件作品的时候大约是28岁。

　　维也纳大学艺术史教授Sebastian Schütze说：“这件作品从来没有被出版过。看起来像是17世纪某位画家的匿名作品，在给画面做完修复工作之后，作品的原貌显示出来，画面的特质揭示了它出自谁人之手。”

　　发现这件作品之后，学者们又重新查阅了卡拉瓦乔的相关资料，在卡拉瓦乔当时最大的主顾——罗马人Vincenzo Giustiniani的收藏目录中找到了一件作品和这件作品几乎吻合，记录中一件尺幅为120cmx99cm的作品应该就是这件刚刚被发掘出来的圣·奥古斯丁画像。

　　另外一位研究文艺复兴的学者David Franklin说：“和其他卡拉瓦乔的作品相比，这幅画相当保守含蓄，这也许就是为什么它之前一直不为人知的原因。这也显示了卡拉瓦乔安静的一面。”

　　据了解，这件作品将出现在耶鲁大学下个月将要出版的一本卡拉瓦乔的画册里。