波提切利封笔之作《三博士来朝》

“意大利乌菲齐博物馆珍藏展”中央美院开展

欧洲文艺复兴时期的重要人物——波提切利封笔之作《三博士来朝》终于来了，随之而来的则是乌菲齐博物馆馆藏的其他81幅画作。3月12日，“意大利乌菲齐博物馆珍藏展”在中央美院美术馆开幕。包括波提切利、丁托列托和提香在内的艺术大师的82幅画作，分为风景画、静物画和肖像画三类，再现了西方文艺复兴时期艺术的辉煌及总体面貌。

波提切利封笔之作首度展出

乌菲齐博物馆以收藏大量的文艺复兴时期的绘画名作而蜚声国际，因此有着“文艺复兴艺术宝库”之称，其馆藏的提香的《花神》、波提切利的《维纳斯的诞生》等杰作是该馆的镇馆之宝。尽管此次镇馆之宝不能前来，不过观众却能欣赏到波提切利封笔之作《三博士来朝》。画作中，波提切利画的是三位来自东方的博士到圣母面前庆祝圣灵诞生的情景。为了突出这一作品的珍贵，主办方专门为其开辟了特殊展厅。在该展厅中，总共展示了三幅巨幅油画，包括《三博士来朝》、丁托列托的《丽达与天鹅》、提香的《维纳斯与丘比特、狗和鹌鹑》。

据介绍，波提切利创作过两幅《三博士来朝》。第一幅创作于1475年至1476年，当时还年轻的他因这幅作品而为自己赢得了极大的声誉。而此次来京展出的《三博士来朝》则是波提切利创作于1500至1510年。由于其创作于波提切利去世前夕，被认为是其封笔之作。不过当时他并没有真正完成此画的着色。

“文艺复兴大家族”露真容

此次展览也是文艺复兴大家族露出真容。在展厅除了波提切利、提香等明星艺术家外，观众也能看到斯蒂法诺·德拉·贝拉、班多夫·雷斯奇等艺术家的作品。中央美院美术馆馆长王璜生告诉记者，以前大家对文艺复兴都会概念化地理解各家风格，但此次展览在选作品时却非常注重文艺复兴的流变及总体面貌。

为了突出文艺复兴总体面貌，82幅作品被分成风景画、肖像画、静物画等不同部分陈列。观众一入展厅，首先看到的是肖像画，紧接着是风景画、静物画。对于这样的展陈顺序，王璜生告诉记者，主办方其实是别有用意。因为乌菲齐馆藏的肖像画非常多、非常精彩。尤为特殊的是，该博物馆有着世界上独一无二的自画像收藏，希望一开篇就能吸引观众。

坐落于佛罗伦萨的意大利乌菲齐博物馆是世界上最早的一家美术馆，由著名的梅迪奇家族创建，从创立之初即为文艺复兴时期最丰富的艺术宝库，拥有大量世界上最珍贵的艺术作品。佛罗伦萨是意大利文艺复兴的发源地，人类历史上最为灿烂辉煌的意大利文艺复兴艺术便是从这里萌生并臻至成熟的。王璜生认为：此次，乌菲齐博物馆将这样的艺术硕果和人文精神带到中国，将为两个不同而又具有共性的文明气质国度的文化交流及发展带进一个新的高度和新的境界。

“梦想实现计划”大奖得主李世芳的“梦想书”。

陈志勇最著名的华裔主题无字图画书《抵岸》。

陈志勇获得奥斯卡奖的作品《失物招领》原著。

【读书人物】

中国的插画界和童书界圈子，大抵都知道陈志勇这个名字，更知道他那本以华裔移民为主题的无字书《抵岸》。传了很久了，说那本书将要引进出版，却迟迟的，一直没有看到动静。倒是陈志勇本人最近弄出了一点动静来，不久前的奥斯卡颁奖礼上，由他的绘本《失物招领》改编而成的动画片获得最佳动画片奖，陈志勇上台领奖，不仅仅是作为原著作者，同时也是动画片的联合执导者之一。说起来，这不是陈志勇第一次和动画片结缘了，前两年红极一时的动画片《机器人瓦力》，其中的人物造型就有陈志勇的参与。

当然，陈志勇最吸引读者的，还是书。据说《抵岸》是陈志勇看到在澳洲的中国菜农种菜的经历有感而发创作出来的作品，也许正是因为他少年时代的经历，让他有这样一颗柔软敏感的心灵。1974年出生在澳洲的陈志勇，父亲是马来西亚的华侨，母亲是澳洲人，他成长于澳洲西部叫做帕斯市的北边郊区，他是全班个子最小的学生，虽然有个子不高的缺憾，但是却非常擅长画画。从少年时期就开始为科学小说画插图，也为小印量杂志中的恐怖故事配插图。

说来有趣，虽然他的画风非常具有奇幻色彩，但是最后拐了一个弯，还是回到了童书创作上来。1995年从华盛顿大学艺术系以及英国文学系毕业后，他就专职创作童书了。代表作品有：《观像镜》、《兔子》、《失物招领》以及《抵岸》。

在谈到自己创作的时候，陈志勇说每一本书的创作都至少历时一年以上，有些还要用上四五年，这么用心的态度，可以称得上是“手工艺人”了。有时候他也会问自己为什么自己的插画主题经常是一些比较黑暗的元素——死亡、灾难、抑郁症等等，这样的选择，可以有某种戏剧化的冲突，更可以带来读者的沉思。他也思索过艺术和文学的意义，他觉得这是一个很好的机会，让我们成年人有一个机会重新认识生活中司空见惯的事物。图画书其实是让大人们发现平凡生活的意义。他也引用过米兰·昆德拉的一句话来评价图画书和成人的关系———“我们都是儿童，不论年龄。因为在生活中，我们始终要面临心的挑战，要去理解新的事物，有时候想象力比经验更加有用。”

最后说一句，奥斯卡会不会让陈志勇更红一点呢？至少，我们是不是真的有希望读到那本《抵岸》了？

中新社广州3月11日电 (程景伟 曾舒慧)3月12日是中国民主革命先驱孙中山先生逝世86周年纪念日。11日，由广州孙中山大元帅府纪念馆和港澳台中华文化艺术协会主办的《孙中山和辛亥革命书画展》开幕。展览通过50多幅港澳台著名艺术家的书画作品，深切表达海内外华人对革命先行者孙中山的怀念与敬仰之情。

展览开幕礼当天下午在孙中山大元帅府纪念馆举行，广东省民革秘书长潘莎莎、法国驻广州总领事章太年、港澳台文化艺术协会会长李汝匡等出席开幕礼。广州市文广新局党委副书记刘宛子致辞表示，随着经济交流加深，两岸三地在文化艺术、文物展览方面的交流亦逐渐深入，今次展览将成为献给辛亥革命百周年的一份大礼，同时也是献给所有炎黄子孙的一份大礼。

记者了解到，此次展出的书画作品全部由港澳台中华文化艺术协会提供，作品内容涉及书法、绘画等。该协会会员大多生于大陆，成长于港澳台，或修学于海外；其中亦不乏家学渊源者，自小受到良好传统文化的熏陶，他们的书体自成一派、画风工写兼具、技法古今通融，艺术造诣颇高，极具欣赏价值。该展览将持续至22日。

据悉，展出的作品中，有41幅已送赠孙中山大元帅府纪念馆收藏，其中包括岭南画派创始人高剑父之子高励节先生的大篆草书《孙中山先生遗嘱“革命尚未成功，同志仍须努力”》立轴，国画大师赵少昂的得意门生李汝匡教授的多幅草书，如《孙文学说序》等，以及国画一幅《七十二烈士之墓》，堪比精品，弥足珍贵。

大元帅府纪念馆方面表示，此次举办的“孙中山和辛亥革命书画展”作品内容丰富，形式多样，不乏精品力作，不仅有利于两岸三地同胞文化艺术等方面的交流，促进文化事业的繁荣发展，并且有利于团结两岸三地同胞共同致力于中华振兴，推进两岸关系的进一步和平发展。完

北京晚报讯(记者罗颖)如果问台湾云门舞集的林怀民最看重自己的哪一部作品？他一定会回答《流浪者之歌》。他曾经说：“有时候我会想，如果只能留下一个作品，我希望就是《流浪者之歌》。”4月1日至2日，这部“云门”近年舞作中演出最频繁的作品将登上国家大剧院的舞台。

云门舞集最为人欣赏的是它对中国传统文化、现代人文理念、多元舞蹈语汇的独特肢体表现的完美融合，其独特的肢体技法和作品题材都富含中国传统意境和哲学。2009年《行草》在国家大剧院成功演出之后，云门舞集一时之间成为人们热议的话题，那次演出之后林怀民当即表示，“以后我要每隔一年就会来国家大剧院演出一次。”今年，林怀民果然实现了自己的诺言。

《流浪者之歌》是林怀民最珍视的一部作品，它的创作源自林怀民一趟渴慕的旅程。1994年夏天，行囊里带着德国作家黑塞根据佛教传说故事改写的小说《流浪者之歌》，林怀民飞往佛祖得道的菩提伽耶。这部小说讲述了婆罗门之子悉达多，历经静坐冥想、放浪形骸、流浪苦行的种种求道法门，而在放下一切法门时得证圆满的故事。在菩提伽耶，林怀

民看到大觉寺外聚集上百的乞丐、残疾与麻风病人，大受惊骇，因而烦苦不解：“人世间的悲苦，为何在佛陀涅槃两千五百年后毫无改善？”忽然间，他意识到佛陀不是神，而是凡人，为了利益众生，苦思出让世人安身立命的生命哲学，感悟到这些他感动得叩头顶礼。一日，在佛陀悟道的菩提树下静坐，阳光穿过叶隙，林怀民感到眉心一股温热，从未有过的安静与喜悦笼罩他的身心。印度归来，如流水般创作出“关于苦修，关于河的婉转，关于宁静的追寻”的舞作《流浪者之歌》，林怀民喜欢说：“这是佛祖的礼物。”

16年来，《流浪者之歌》不论演到哪里，总会出现“观众看到泪流满面”的画面。已故编舞家皮娜·鲍什剧终后坐在观众席哭了半小时；澳大利亚一位青年，在街头抱着饰演僧人的王荣裕痛哭；国外剧场工作者在侧台边，泪如水坝溃堤无法自已。挪威《奥斯陆午报》报道：“一次伟大的剧场经验，观众的心充实得几乎迸裂，不禁流下喜悦的眼泪。”

在此次巡演之前，林怀民写给所有观众：“希望《流浪者之歌》在喧嚣的时代里，继续带给观众安慰与宁静，像那穿过菩提叶隙，斜斜照射的阳光。”

齐鹏798画展：“山海经”相遇“卢浮宫”

著名女画家齐鹏个人画展，于3月6日在北京“798桥艺术空间”开展，展期为一个月。3月6日下午，举办齐鹏“798画展：“山海经”相遇“卢浮宫”学术座谈会，著名学者、评论家刘晓纯、沙莲香、张嘉堂、王镛、殷双喜、尚辉、邓平祥、徐虹、王端廷、郭晓川等参加，著名艺术评论家陶咏白主持。

哲学博士、心理学博士后齐鹏画家通过长期摸索和实践，提出了“感觉的解放和感性的革命”理念，逐步形成了以“符号”为艺术语言的创作风格，独创了使用中国墨与油画笔、中国墨与油画色、中国墨与综合材料颜料、主题符号镂空镶嵌等独特表现手段，突破了中西方固有绘画模式，使中西绘画工具与手法得到了很好融合。

自1993年以来，齐鹏个人画展在中国美术馆、中国国家画院、今日美术馆和美国纽约艺术中心等举办了8次。此次画展是第9次，以山水和建筑为主，展出作品近40幅，主题为“‘山海经’相遇‘卢浮宫’”。其中，11幅作品是以“山海经符号”为代表的中国传统山水画，23幅作品是以“卢浮宫符号”为代表的中国墨与油画笔镂空镶嵌技法创作的城市山水画，4幅品是以“798符号”为代表的中国墨与综合材料颜料创作的建筑油画。“798桥艺术空间”孙喆亚主任谈道，齐鹏画展作为2011年度的开年大展，是在诸多艺术评论家推荐的基础上，经过周密市场调研才做出的决定，不论从学术价值还是市场前景看，我们均持乐观的态度。

“山海经”格高而思远

图为齐鹏画作《古埃及金字塔》

《山海经》是中国原文化，在“山经”和“海经”中，记载着大量的仙民、神人、先哲和神话，体现了中华文化的博大精深，推动着现代文明的发展。画家齐鹏在博士后流动站期间曾研究过《山海经》，走访了北京胡同和我国的50多个古村落，完成了158万字的《北京文化与人格北京》论文，主持研究并完成了《感性与艺术科学》国家社科基金项目。博士后出站后，先后创作了58幅“山海经”符号作品。

著名学者和文学理论家刘再复先生曾在“返回古典与走向世界”国际学术研讨会上，提出了“中国文化的复兴，要返回古典、返回《红楼梦》、返回《山海经》的命题，并收入在他的《思想者十八题》一书。2010年，画家齐鹏研读此书后，感到刘再复先生的理念和观点与自己不谋而合，再次激发了她的创作冲动。她立即奔走北京各大书店，购买各种《山海经》相关图书资料，再次进行了系统深入研究。《山海经》记载着华夏文明起源地，万山之宗”昆仑山“，百河之祖”黄河“，而且还有对美洲大陆”光华之谷“的描写，与现实中美国人描写的黑色石、金块、旧金山湾具有惊人的相似，体现了古人由具象到抽象的图腾崇拜，由形象到理性的哲学思维方式。受此启发，感受到《山海经》是精神文化的活水源头，生发了由”原生之境“到”文明之境“创作理念，并进行了积极探索。

此次展出的11幅作品中有10幅为新作，均以《山海经》中名山”带山、帝喾、神人、涿光、尧山、数历、大运、鹊山、衡山、皇言“命名，是她研读《山海经》后新的感悟。

著名艺术评论家、艺术研究院前所长水中天认为，以《山海经》命名的齐鹏作品，表现出一种蕴含深刻矛盾的艺术气度，作品中视觉意象的对立因素，使齐鹏的画与当代画坛为人们所熟知的名家山水拉开了距离。著名艺术评论家邓平祥认为：从齐鹏的”带山、帝喾、神人、涿光、尧山、数历、大运、鹊山、衡山、皇言“作品中，我们可以感觉到《山海经》作为精神文化，对画家创造活动的启示和激励，思想与文化、哲学与美学给予了她的创造观念，使她的山水画艺术达到了新的境界，这无疑是对现代山水画艺术的一个有力的推动。

尽管在过去四年中，中国的网络文学取得飞速发展，但近日已开始征集作品的第八届茅盾文学奖，却给网络文学的参评设置了苛刻的条件。

在中国作协新修订的《茅盾文学奖评奖条例》中，尽管名义上将网络文学纳入了茅盾文学奖的评选范畴之内，但在中国作协同时公布的《关于征集第八届茅盾文学奖参评作品的通知》里，却为网络文学参评设置了一个条件——“重点文学网站推荐的作品，应为评奖年度范围内在本网站发表并由出版单位出版的图书作品，推荐时应征得著作权人和出版单位的同意，并提供样书。”

这个被戏称为“史上最苛刻参评条件”的表述，让很多网络写手失望透顶。去年定位为中短篇小说奖项的鲁迅文学奖虽然允许网络作品参评，但要求字数不超过13万字，大量网络小说因字数超标而被拒，而这次茅盾文学奖尽管没有了字数的上限，却要求网络小说落地成书，这等于将绝大多数网络文学拒之门外。

“要求出落地书，对网络文学而言，是一个很大的门槛。”一位网络写手说，“照这样的标准，除了几本盗墓小说和历史小说之外，像现在最红的《斗破苍穹》等网友非常关注的小说都没资格参选。”据了解，如果获得推荐，像《鬼吹灯》、《盗墓笔记》、《明朝那些事儿》、《诛仙》等出了“落地书”的网络小说倒是有资格参评。

网络文学观察者认为，作为中国长篇小说最高奖的茅盾文学奖为网络小说设置参评条件，说明中国主流文坛对这个新生的文学类型依然存在偏见。“出成书的网络小说，其实都是一些和传统文学靠得很近的作品。其实这些并不能完全代表网络文学的实质。网络小说决不是将传统小说放到网上发表那么简单。”

联想到去年鲁迅文学奖揭晓后，网络文学无一获奖的结果，有网友直指中国主流文坛对网络文学采取了“明迎暗拒”的策略。就此，中国作协相关负责人解释说，这是因为用写小说的标准来看，网络小说并不够格。这个“标准”自然是传统文学的标准。但是有网友指出，网络文学再不堪，也不至于要落到全军覆没下场的窘境，中国数亿网络文学阅读者的文学取向也不至于如此上不了台面。“问题的关键是，传统文学界并没有一个评判网络文学的标准，他们无力评判网络文学，只能为之设置一个很‘传统’(指出书)的门槛，以此将网络文学纳入传统文学范畴内。”

图为齐白石画作《三千年之果》

本报讯（记者易东方）昨天，中国嘉德国际拍卖公司在北京举办新闻发布会，宣布嘉德四季第25期拍卖会将于3月16日至18日举行预展，19日至22日举行拍卖。此次中国书画部分7大主题专场璀璨夺目，尤其以齐白石《三千年之果》《铁拐李》，傅抱石《春风杨柳万千条》、陆俨少《雄奇雁荡》等单品值得着力关注。

作为2011年新春的首场拍卖会，嘉德四季第25期拍卖会将于月中举槌，在中国书画部分，将呈上15个场次、7大主题专场共3100余件拍品。其中“狮城收藏”专场得到了新加坡重要藏家的大力支持，其中重量级作品齐白石先生的《三千年之果》，可谓齐老盛年之佳作。此画中钤有“吾年八十八”一印，这年是齐老创作的高峰，作品多且题材多样。此轴朴拙华滋，构图饱满、着色大胆、落墨简洗，可称之为“三饱”之作。画的跋上是由行书写出的“三千年之果”，说明这幅画描绘的是寓意福寿千年的寿桃。

另一件齐老作品《铁拐李》也值得关注。齐白石年轻时画过《八仙图》，60岁以后，只画八仙中的李铁拐，特别在1927至1928年，创作了很多幅。他早年所画，多拄杖立姿，强调主人公的“拐”相，晚年所画，多坐姿，强调主人公的神态和亦丐亦仙的身份。早年画的是一个传说人物，晚年则要藉以喻事喻理。在他看来，自己的艺术长期不被理解，是一些人只看他的出身和外表，这正如把李铁拐看作“饿殍身家”。但这类含自喻之意的绘画与诗歌，鲜有愤懑之情，而更多的是幽默和无奈，以及寓于这种幽默、无奈中的智慧。

图为李白

双鱼座诗仙李白诞辰1310周年2月28日，李白诞辰1310周年这天用什么纪念？写诗呗！在微博上，“李白诞辰”也成为了当日找人吃饭的最佳理由。双鱼座的诗仙恐怕怎么都没想到，自己的生辰也会变成微博网友的一场“微诗”狂欢。“一起来写微诗，说出你眼里的和你心里的世界。”让梨花体神马的撞墙去吧，再也不要在微博上絮絮叨叨了，在微博上说点押韵有哲理的话，稍不留神你就诗仙附体一炮走红了。

诗仙是浪漫的双鱼座

虽然按理说李白不过阳历生日，但网友还是兴致勃勃地在网上热热闹闹地为他祝寿。在新浪微博里输入“李白诞辰”，一下子就蹦出4000多条相关微博。就连著名编剧宁财神也没闲住，“李白也是双鱼，上升也是水瓶，所以我肯定他也有拖延症，赞~~~”在各种纪念李白的活动中，一则名为“李白的哪句话你还记得最清楚？”的微博被广为转发。网友“阿越头”的振臂一呼得到了诸多响应，“什么举头望明月之类的没啥意思。人生得意须尽欢，莫使金樽空对月。这个才牛叉。让我们用行动纪念李白诞辰。”

网友的行动很快，一场以微博为载体的“微诗”创作在李白诞辰这天悄然上演。“微诗”要的就是让你在微博上体验一把诗仙的感觉。用不着押韵抠字眼琢磨上老半天，也没有神马命题写诗话题写诗甚至是给定材料进行诗歌创作，没有接受过专业教育也没关系，“微诗”要的就是原生态最淳朴的诗歌，它唯一的限定便是字数，140字！

鬼马微诗相当“油菜花”

因为“微诗”活动没有限定话题，网友们便开始了各种天马行空的诗歌涂鸦。没有延续诗仙写作古体诗的各种俗套，网友们标新立异的诗歌鬼马无边，在不失真情的同时又极具现代精神，诗歌主题也无孔不入无处不在。“棋子”“落叶”“小花”甚至是“功夫茶”都成了140字“微诗”的主题。

最狠最短的诗歌应该来源于学生，没有名字，就是简简单单的一句话，却在学生中广为传颂，“老师给我多少分，我祝老师多少岁”，受欢迎程度绝对不亚于李太白的“床前明月光”。而最偏题却也是最生动的诗作是一首名为《脚步》的“微小说”，短短三十多个字却生动无比，“嗵/嗵/嗵/近了/近了/她屏住呼吸听/远了/又远了/嗵/嗵/嗵/她叹了口气/响彻整个大楼。”

“人缘最好”的作品还是有些小清新的味道，微博网友“交大浙江人”的一首无题小诗暂列转发排行第一名，“春天来了，车轮碾压过的泥土，会不会，有种子发芽？”读完有没有种想45度角仰望天空的感觉？

网友微诗创作童心大发

尽管是没有限定话题，但记者浏览完所有参赛者的作品后还是发现了一些眉目，借着“微诗会”忆苦思甜怀念小时候的参赛者占到了四成左右。而规定的140字的“上限”很少有网友能用满。网友“心浪海洋”写了一首《儿时掠影》怀旧，“一只麻雀/ 树梢上远望// 一个顽童/ 拉圆装上石子的弹弓// 麻雀回头 惊呼/ ‘小哥哥’”。另一首名叫《哈哈》的短诗虽然通篇没有主语，但一下子就能让人童心大发。“泥里打着滚，水里光着腚，手拉手抓着蚂蚱。邋遢的回到家，呀，妈妈生气啦。”

温情系作品总是能得到最多的共鸣，诗歌《邮件》就是其中的代表。“我给妈打电话说/妈/今年我可能回不了家了/家里还缺什么我给你们邮递过去/妈只是说了句/是啊 北方下雪了 邮吧/我把自己装进信封邮递了过去/我想家里的雪一定很软/很软”。网友“丁小宝儿”告诉记者，她对诗歌并不感冒，但总是没有合适的氛围来进行创作，平时也不大好意思。借着李白诞辰的名号来诗兴大发一下是个很好的由头。

陈界仁的作品《帝国边界》，获得金棕榈奖第三名。

每到岁末年初，一系列的盘点、评选甚嚣尘上，艺术家的高下评判与“权力”、“市场”紧密捆绑，而关于作品本身的探讨，尤其是对作品问题、漏洞的探讨，却隐没无闻。

青年批评家自发性集结的金棕榈、金酸莓奖评选，正是反其道而行，试图去除一切功利目的，单就作品而做纯粹的学术探讨，为公众“祛魅”。

2月15日夜，北京798艺术区一驿酒店。“2010中国当代艺术金棕榈奖+金酸莓奖颁奖典礼”时间拖得有点长。尽管获选“金酸莓奖”的艺术家一个也没有到场，流程中原本设定的“获奖艺术家上台领奖，由嘉宾颁发奖杯”环节也可以省略。

没能等到结束，王春辰先走了。他任职于中央美术学院美术馆学术部，也是参与2010中国当代艺术金棕榈、金酸莓奖评选的青年批评家中最年长的一位，属于“60后”—其他22位“评委”几乎都生于1970、1980年代。他们并不愿意使用“评委”这个称呼，更贴切的描述是：艺术观察者。

这是中国当代艺术界一次非典型性的盘点，甚至有媒体抛出了“革命性”这样的描述。参与者都是近年来艺术批评界涌现的新锐力量，年轻只是他们的表面特征，但年龄又不是这批人聚合在一起的惟一标准。他们试图改变艺术批评界“一团和气”、只赞扬不批评的现状，捍卫批评的独立性，于是创造出这样一个问题意识强烈的奖项，在选出年度十佳作品的同时，也讨论、投票列举出年度问题作品的前十名。所有参与提名、讨论与投票的批评家、观察者，都要求实名，每个人的发言都被记录、公开，接受审视。

“金棕榈”与“金酸莓”的奖项名称，都借用于电影界。“金棕榈”是以艺术品位闻名的戛纳电影节最高奖。“金酸莓”则以评选美国年度最烂电影为目的，在每年2月奥斯卡奖揭晓前一天公布。

当代艺术金棕榈、金酸莓奖的评选，却并非意在标定出“最好”与“最差”。发起人之一盛葳强调，获选金棕榈的作品未必是最完美最成熟的，但评审委员会倾向于发现与讨论这一年的创作中所显现的最有创造性的思路、苗头；而金酸莓奖的十件作品也未必是2010年出现的最差作品，而是它们集中显现了今天中国当代艺术创作中的典型性问题，“真正特别差的作品，其实在中国当代艺术中数不胜数，所以我们提名的这十件金酸莓的作品，并不是说真正最差的，而是差得有代表性”。

所有参与者都强调，这是一个看重过程而非结果的评选。青年批评家鲍栋这样告诉时代周报记者：“我觉得最重要的是评选中的发言与讨论，就像我认为民主最重要的是公议，而不是投票。”

（岳敏君《弯曲的维度》 / 受访者 供图）

被放大的结果

然而一个颁奖礼的举行，放大的必然是结果。

媒体到场，观看歌舞表演，听获奖感言。金酸莓奖得主无一到场，但并不妨碍媒体对于“金酸莓”的聚焦。毕竟，这是中国当代艺术界鲜有的针对具体作品的公开批评声，而且，被授予“金酸莓”的问题作品大多出自艺术圈声名显赫的“明星”、“大腕”级艺术家之手：因拥有世界最大艺术家工作室、雇佣百余人艺术制作团队而成为话题人物的艺术家张洹，有两件作品高票当选，分别是《希望隧道》、《和和谐谐》；四川美术学院院长罗中立的“雕塑系列”、中央美术学院院长潘公凯的《错构—转念—穿越杜尚》之“宇宙飞行器”，都位列榜中；中国当代艺术“四大海归”之一、2008年北京奥运会开幕式焰火总导演蔡国强，于世博会期间举办的展览“农民达芬奇”，7票当选金酸莓；被称作中国当代艺术F4之一的岳敏君，作品《弯曲的维度》位列十大金酸莓奖的第六位。

相反，金棕榈奖得主的名字与作品，对于公众而言都相对陌生。

醒目的是，其中一件金棕榈作品《一亿颗葵花籽》，在金酸莓的评选中也获得了6票，同时获颁两座评价相悖的奖杯。

争议声四起。仅仅由结果出发，有评论者公开质疑此次评选程序的公正性、评论者态度的严肃性，一篇题为《为了话语权，还是为了艺术的发展？》的文章称，有作品同获金棕榈与金酸莓对于评议奖项来说是一个“很低级的玩笑闹剧”，“暴露出评委们患得患失的世故心态”。

而在参与本次评选的青年批评家杭春晓看来，如实呈现投票的结果，呈现聚焦于同一件作品上复杂而矛盾的审视眼光，才恰好反映出了金棕榈、金酸莓评选活动的初衷。“我们这个活动恰恰不是在构建一个权力的制高点，而是构建一个理性的传播渠道。如果我们不希望再走进一个权力主义的话语体系，需要的就不是对一个事情惟一的判断结果，而是需要达到结果的不同看法和审视。”不要盲从于结果，关于一件作品矛盾的两极评价，正是引导围观者关注评选过程中各种不同声音的契机。

（张洹 《希望隧道》装置，2010年。 / 受访者 供图）

复杂场域，拒绝简单判断

杭春晓，美术史博士，现任职于中国艺术研究院美术研究所。他并不是当代艺术金棕榈、金酸莓奖的发起人，但在他的观察里，和他一样聚集在一起参与这个评选的批评家有这样的共性：“大多是在2005、2006年，完成自己的学院教育以后，开始进入和介入当代艺术现场。我们介入时的语境，与1980年代开始介入当代艺术的批评家们面临的已经大不一样，而不一样的语境会产生不一样的思考。”

前一个丰收的“收割期”，这是杭春晓对这一代艺术批评者所处场境的形容，“产生的既有对收割的质疑，也有对收割的跟风。不再是一个可以简单划一的结构。”他认为在1980年代中国当代艺术萌发的初期，艺术界迫切需要的是提出另一种看法，一切单纯的反思都显得振聋发聩，“那个时候，振臂一呼是有价值的”，可是现在，随着资本与权力的进场，社会结构、艺术创作的现状都变得极度复杂化，各种利益关系、利害关系时常重叠，“这一代人呼吁的是理性，在极其复杂的状态中不应该再作出极其简单的判断。审视，才能为下一个阶段提供新的思想资源”。

某种意义上说，中国当代艺术产生于对“艺术服务于政治”观念的挑战，也是对教条式创作、赞歌式作品的颠覆。但在杭春晓看来，当下艺术创作的方法论，实际上依然是“艺术工具化”的延续，只不过与赞歌式作品呈现的面貌相反。当人们评论一件艺术作品的价值时仍然有一种倾向：看它是否有明确的社会批判性，似乎批判性越强就越有价值。“除了谄媚是工具，简单的政治口号性作品也是一种工具化。”

民众的当代艺术“启蒙”，实际上是由拍卖场上的天价成交额、艺术品市场的持续火热代为完成的。新世纪开头的五六年里，方力钧、张晓刚、岳敏君、王广义等当代艺术家的单幅作品价格，从两三万美元急速飙升了上百倍，这些受到市场热捧、原本只在圈子内闻名的前卫艺术家，迅速成为时尚明星，“当代艺术F4”的封号便诞生于此时。鲜少有人关心方力钧们的作品在其诞生时代的艺术价值和意义，卖得好成了惟一的标签与标准，而这在杭春晓看来，就是简单化的判断。

批评家、媒体与资本，共同参与了一场“造神”、“造星”运动。中国的当代艺术界，迅速变成了一条星光熠熠“看上去很美”的银河。每到岁末年初，一系列的盘点、评选甚嚣尘上，艺术家的高下评判与“权力”、“市场”紧密捆绑，而关于作品本身的探讨，尤其是对作品问题、漏洞的探讨，却隐没无闻。

青年批评家自发性集结的金棕榈、金酸莓奖评选，正是反其道而行，试图去除一切功利目的，单就作品而做纯粹的学术探讨，为公众“祛魅”。

“高成本、低常识、搞场面的宏大巨作”

2010中国当代艺术金棕榈、金酸莓奖结果的产生，经历了一天半的论辩。2月12日下午、2月13日一整天，高名潞当代艺术研究中心的会议室里始终在进行唇枪舌剑的交锋。

活动发起人盛葳是第一个发言者，在介绍了评选流程与规则后，他再次强调：最后的提名和公布的评议文字都将实名发表。“为什么要实名呢？就是要让大家对自己说的话负责。不能用‘某些艺术家某些作品’这样的提法，要点名道姓。”

接下来是每一位艺术观察员提出自己的金棕榈、金酸莓奖提名名单，结合事先准备好的资料、图片公开讲解自己的提名原因。每个人介绍完自己的提名后，都会有大约十分钟的讨论，其他参评者有不同的意见都当面直陈。针对20多位参评者的提名作品一一讨论完之后，再公开投票、唱票，得出金棕榈奖和金酸莓奖的最终结果。

各人视野、学术背景、关注领域的不同，导致提名名单非常庞大，在参评者李笑男的印象里，被提名金棕榈的作品多达六七十件，而被提名金酸莓的作品也有三四十件。最后当选的作品，以得票高低为序排列，排在末位的“金棕榈”、“金酸莓”得主，都只获得了五票，位列榜中多少具有偶然性；但对另一些作品，大家的看法却相当一致，比如张洹的《希望隧道》、《和和谐谐》分别获得12票、11票，问鼎“金酸莓奖”。

《希望隧道》是2010年7月至10月，艺术家张洹在北京尤伦斯当代艺术中心推出的一个“公益展览”，一列在汶川地震中被摧毁的火车残骸、几节变形的轨道，以及火车从事故地点辗转西安、上海再到北京的纪录片，被置于艺术中心的展厅，供人观看。参观者可以进入火车前置引擎和残骸内部。该展览也表示，会将门票的部分收入捐给灾后重建。展览的宣传语这样写道：“《希望隧道》是一件规模宏大的观念艺术作品，一块希望的纪念碑，一项积极有力的社会公益项目。它冻结了破坏和摧毁发生的瞬间，它让我们反思灾难，纪念逝者，思考如何重建以及将会面对的挑战。”

但在将其选为“金酸莓”作品的青年批评家们看来，《希望隧道》却是当代艺术创作“假大空”的典型代表。购入震区的火车残骸，将这一庞然大物辗转上千公里运回自己的工作室，这一行为的目地凸显出的是一位艺术家在当今时代所具有的资本运作能力而非艺术创造力。就像提名者孙东东的话：“与艺术家本人着力营造的人文关怀相比，如何从地震现场拉回火车残骸更能引发观众的兴趣，不禁令人想问艺术家本人的社会能力到底有多大？假如这也是作品的一部分的话，那么我觉得这恰恰是这件作品无法令人感动的原因，因为我只看到了张洹本人，而没有看到所谓的希望。” 另一位提名者崔灿灿则认为：张洹这件作品属于典型的“高成本、低常识、搞场面的宏大巨作”，艺术的智慧成了可有可无的“庸俗点子”，而“点子”本身又毫无创意，张洹这件作品有丧失艺术修辞的必要性的嫌疑，作品中既没有对环境恶化的思考、又缺乏对受难者心理感受和瞬间生命消失的缅怀，只是无关痛痒地说了句“自然很可怕”，倒不如将这些钱捐座小学，更为有效和真诚。

追问创作症结，同时反躬自省

这是个任何领域都在鼓呼“资本为王”的时代。观察当代艺术创作领域很多引起重大社会反响的作品，也往往是耗资巨大的作品。

金棕榈、金酸莓奖发起人、青年批评家盛葳告诉时代周报记者，所谓的艺术“影响力”，越来越与作品创作的投资额相关联：“尤其是针对非架上作品，更是这样。比如一个video作品可能需要很大的团队来完成，上千万的资金，装置作品也耗资不菲。而在国内，只有成名艺术家才能得到更大的资金支持。”一些年轻艺术家用低成本做了很多从学术角度看很有益的尝试，但由于是小制作，未必会产生很大的影响力。这也是深度切入艺术现场的青年批评家们有意识地在金酸莓评选过程中更多提名成名艺术家作品的原因：“这些人具有更大的社会影响力，他们做一件差的作品具有更大的导向性，引导年轻艺术家模仿，造成的后果就很严重。”

青年批评家刘礼宾对时代周报记者强调，他们这一代人不会去排斥市场、排斥资本，“但当市场、资本成为艺术好、坏的评判标准时，我们就要警惕。”

高歌猛进的时代，更需要冷静、理性的思考。批评家们强调这是一场“个人化”的评选，最后的结果呈现的只是统计数据，而每个人的价值观、思想体系在各自的发言、阐述中显影。

阅读一天半中20余人的全部发言记录，不难发现他们思考判断的冲突、交锋之处。比如针对蔡国强搜集、展出“农民发明家”制作的飞船、潜艇、机器人的展览《农民达芬奇》，前后发言的崔灿灿和朱小钧观点截然相反，在崔灿灿看来，蔡国强用“农民让城市更美好”这样的标语，有力地与上海世博会的口号“城市让生活更美好”形成对照，揭示出可能被盛世的光芒所掩盖的农民工问题、农民生存问题。他将之提名为“金棕榈”候选。而在朱小钧的观展感受里《农民达芬奇》正显现出蔡国强的“嗅觉灵敏”：“耗费巨大的人力物力集结而成的展览，并没有解决任何实际问题。将本来粗糙的农民发明以一种更精致的方式重新呈现，隐含着的是居高临下的资本强权。”农民们在这个展览中的位置究竟是什么？他们是作者，还是成了被明星艺术家绑架的傀儡？这是朱小钧的疑问。

最后投票时，《农民达芬奇》以7票当选了“金酸莓”，但崔灿灿并没有改变对这件作品的赞誉。

任职于中央美术学院美术学研究所的刘礼宾，在这一次“非典型性”年度盘点活动的启动仪式上曾提及批评家的自我反思。金棕榈、金酸莓奖的评选，其实是一群青年人在奋力搭建着一个当下难得的“心平气和讨论问题”的平台，不简单盲从他人也不简单否定他人，促使批评界自己更严肃认真地面对自己的理论体系。

2月21日，在2010中国当代艺术金棕榈、金酸莓奖公布仅仅一周后，另一个盛大的颁奖典礼再次在北京798艺术区开张，名字很有气势：“2010年中国当代艺术权力榜。”在这场热闹的盛会上，参与金棕榈、金酸莓奖流程统筹，做幕后服务的肖歌，遇见了几位今年金酸莓奖的“被提名者”（这些“大腕”都作为当今艺术界“power”的代言人列席），感到些许尴尬。但，对于刘礼宾们来说，这种“尴尬”并不存在。

1999年1月10日，在日本兵库县伊丹市的Aiphonic剧场，一场别开生面的音乐会正在上演，在暴风骤雨般的打击乐伴奏下，扮演中国唐代诗僧寒山、拾得的演员上场，他们的第一句对白就引起了全场观众开怀大笑。这是著名音乐家柴田南雄作曲的乐曲《蝙蝠伞与合唱的第七乐章—寂静的森林--寒山拾得》的音乐会，奇妙、幽默、深邃的乐曲，把人们带入一千多年前的天台山，“泣露千般草，吟风一样松”。

图为《日本藏汉籍珍本追踪纪实）

寒山与中日文化

在中国，唐代诗人寒山或许只存在书中，而在日本，我们却可以到处遇到寒山，漫画家镝木繁有漫画《寒山拾得》，雕塑家辻晋堂的雕塑《寒山》在威尼斯国际美术展受到至高评价，添浦市有一件“指定文化财产”是“朱漆寒山拾得螺钿四方盘”，松本市有家具工房“寒山”……

东京的筑地，有一家专门教授手乔麦面条的专门学校，面向希望开乔麦面条店的人和对荞麦面条有兴趣的人快速教授荞麦面条做法，校长井上明先生还经常上电视节目，教授荞麦面条的做法，而这家学校的名字叫“寒山拾得筑地手打荞麦面学会”。

在日本神奈川县藤泽市有一家和食饭店叫“寒山”，其店名来源于寒山，店里挂著寒山、拾得的画。京都府有一家中华料理店名为“寒山”，长野县长野市也有一家中华料理店叫“寒山”。

日本也有多种以“寒山”命名的酒。如所酒造合资公司生产的“梅乃寒山”，大分县的株式会社井上酒造制造的大吟酿米酒有一种叫“寒山水仙”，福冈县株式会社喜多屋生产一种纯米酒叫“寒山水”，鹿儿岛县神酒造株式会社生产一种芋烧酒叫“寒山”，酒瓶的上面画著布袋和尚和寒山、拾得。

以“寒山”命名的墨块是则是墨块中的精品。奈良有100多年历史的文具老铺生产的吴竹墨“寒山”，在市场上标价一万日元以上。吴竹墨是用优质墨材和优质的菜子油、动物胶、天然龙脑等制成，用浓墨时呈含有兰紫色素的黑色，用淡墨时黑色中渗透中一点儿沉稳的红色……

日本1977年还出版了图案为“寒山图”的邮票，其图案取自日本画家可翁的水墨画。

寒山诗如何在日本唱遍古今

而寒山的笑，在日本更是魅力无穷。

北宋神宗熙宁五年(1072年)5月，来中国天台山巡礼参拜的日僧成寻(1011-1081年)，从国清寺僧禹硅处得到《寒山子诗一帖》，于翌年命其弟子赖缘等5人带回日本，从此寒山在日本得以流传开来。而镰仓时代赴日元僧一山一宁把中国水墨画家所绘《寒山图》等带到日本后，寒山、拾得作为释道人物中的“散仙”成为日本绘画中的一个重要主题，特别是元代画家颜辉、因陀罗等画家所描绘的寒山、拾得神秘而天真的笑，迷倒日本僧俗两界，先后有明兆、天游松溪、山雪等众多画家描绘寒山、拾得的笑颜，而且在文学的领域，寒山的笑也成为一种文化符号出现在各种文学作品之中。

在日本著名作家森鸥外(1862-1922)于54岁时写成的短篇小说《寒山拾得》中，寒山、拾得面对前来拜访他们的闾丘大笑起来，“那笑声似乎从腹底喷涌上来似的”，给闾丘胤留下了深刻的印象。

作家井伏鳟二的小说《寒山拾得》，写了两个大学时的同窗在他乡偶遇，喝得酩酊大醉后来到河边，挂起寒山拾得的画，学著他们画中的样子练习“寒山拾得之笑”，直笑得他们酣畅淋漓，流连忘返。这篇小说使寒山、拾得的笑在日本文化史上进一步符号化。1995年，日本筑摩书房出版了一本名为《世界在笑》的书，收集了世界与笑有关的作品25篇，其中包括了井伏鳟二的《寒山拾得》。

日本作家冈松和夫曾写过一篇文章叫《漱石的笑与寒山的笑》，认为夏目漱石的作品深得寒山的禅境。他在文章中指出：“我虽然没有想过笑能分成什么样的种类，但是一提起‘纯粹的笑’，我就会想起一种笑，那就是寒山的笑。”

“我在读《我是猫》(夏目漱石的作品)的时候，时常想起寒山。一言以蔽之，猫所讲述的苦沙弥先生(夏目漱石《我是猫》中的人物)和他的友人们的生活也许和寒山一样脱俗。可是想表现这些并不是一件容易的事。如果没有笑之能量，如何能脱俗呢？”

“我觉得把寒山的笑在现代世界展开的是漱石。因为寒山是一名禅僧，可以把他理解为世间所说的‘求道者’。漱石喜欢禅，经常引用禅语。但是他对信奉禅的人，也毫不客气地投以笑的石子，也许我们可以把这种行为称为‘自嘲’，也许正是这自嘲之笑，是《我是猫》中推动作品展开的最重要能量。”

由此可见，寒山与拾得的笑，在日本已成为一种文化向往，表现了笑口常开，笑尽世上可笑之人，笑尽人间古今忧愁的超脱境界。佛祖拈花，迦叶微笑，一笑解千愁，笑中有顿悟，笑是一种禅的修行和凝聚，笑是一种解脱和超越，尤其是寒山、拾得的笑，无因无果，全神贯注，宛如赤子玩童，与秋风同乐，与落叶共舞，是笑的绝唱，是笑的顶峰。因此日本在长期接受中国文化的过程中，这寒山与拾得的笑凝聚成一种文化符号，但是不知为什么，这笑在它的发源地中国并没有像在日本这样，被如此浓缩、精炼、传承，甚至提炼出一种文化的醍醐味道来，在中国，寒山与拾得在文学史上的影响不大，在文化史上的影响更是微乎其微。

而寒山为什么以他的诗，他的笑，在日本唱遍僧俗，唱遍古今，笔者的新著《寒山与日本文化》，将和您一起用心魂，用笔重新走入寒山的世界，重新踏上杳杳寒山道上那萋萋芳草和翻飞的冻叶，因为在这仪态万方而又细雾沉埋的谜中，我们似乎能够发现并重组一种超时空的文化语码，这里蕴含着对中日文化深层基因的双重解密与回答。

(本文摘自张石《寒山与日本文化》，上海交通大学出版社，2011年出版)